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Comentado buenas películas


Invitado

Publicaciones recomendadas

Películas que he ido comentado en este hilo. Mayormente son en blanco y negro, mis preferidas.

Doce hombres sin piedad
Yo confieso
El tercer hombre
La solterona
Luz que agoniza
Rocco y sus hermanos
El proceso Paradine
Mamma Roma
Muerte en Venecia
La mujer del cuadro
París bajos fondos
Ángeles con caras sucias
Cayo Largo
Cautivos del deseo
Amor en conserva
El manantial de la doncella
Panorama desde el puente
Un tranvía llamado deseo
Muerte de un ciclista
Testigo de cargo
La strada
Dos mujeres
Las noches de Cabiria
Rebeca
El techo
Muerte de un viajante
Eva al desnudo


 

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Doce hombre sin piedad

Año1957
Estados Unidos
Director: Sidney Lumet
Reparto: Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, E.G. Marshall, Martin Balsam, Ed Begley, John Fiedler, Robert Webber, Jack Klugman, George Voskovec, Joseph Sweeney, Edward Binns, Billy Nelson, John Savoca, Rudy Bond, James Kelly

Argumento: Los componentes de un jurado popular estadounidense, doce hombres en este caso, deben juzgar a un adolescente acusado de haber matado a su padre. En principio parece que está todo muy claro y que no van a tardar mucho tiempo en entregar al Juez su veredicto, cuando uno de ellos, el que interpreta Henry Fonda, explica a los demás que no lo tiene tan claro, haciéndoles ver que tiene una duda razonable. Expone su argumento y solicita una votación para ver si alguien más entiende su duda y lo secunda. Esa duda y otras que salen a flote, comienzan a hacer mella entre los doce hombres.

La acción transcurre en un pequeño espacio, la sala de deliberación, y el director del film, Sidney Lumet, va creando una atmósfera de claustrofobia y angustioso calor sofocante, que con habilidad la transmite al espectador. Se vale de un truco muy simple pero no menos efectivo, que consiste en ir acercando la cámara a sus personajes, de los que nada se sabe, tan ni siquiera sus nombres, pues entre ellos se citan por el número que tienen en el jurado o por sus profesiones, pero poco a poco nos los va descubriendo por sus maneras de enfocar el juicio, donde se ha de decidir si el acusado sale libre o va hacia la silla eléctrica.

Conforme la película avanza cada uno de estos doce hombres va descubriendo sus cartas, desde aquéllos a los que verdaderamente se toman con responsabilidad el juicio que han de emitir, y de otra parte a los que nada les importa. La trama podemos interpretarla como reflejo de la vida real. Sin duda los doce componentes que forman el jurado representan al ser humano en general.

Son gente sencilla en las que podemos identificarnos, entre ellos hay desde un arquitecto (Henry Fonda), hasta un contable, un diseñador publicista, un entrenador de fútbol, un comercial, un jubilado, etc. La excepción sin duda, por su manera de inmiscuirse en el tema, es el arquitecto, papel interpretado por Henry Fonda que lo borda, personaje que aparenta poseer la verdad absoluta, algo que si existiese es muy difícil de alcanzar. El director nos lo hace ver como un hombre que gusta de la reflexión, no falto de compasión hacia el muchacho, recto, inquieto e inteligente, condiciones que le empujan a meditar sobre el caso más que a sus compañeros, lo cual sirve para que el juicio tome un curso diferente. Un curso en el que prejuicios contra el acusado de todo tipo salen afloran, pero los puntos de vista que argumenta cada uno en contra del acusado se diluyen cada vez que uno de los doce se va uniendo a la causa que defiende el arquitecto.

Henry Fonda encabeza un reparto de actores extraordinarios como extraordinario es el propio guión. Tras Fonda, Ed Begley nos ofrece su excelente interpretación cuando los demás lo arrinconan por sus prejuicios racistas, es un momento tan bien llevado por el cineasta que te hace ser uno de los que se apartan. Lee J. Cobb, representa a un padre amargado por la pésima relación con su propio hijo, E.G. Marshall, en el detalle de las gafas es abrumador y Robert Webber por su pasotismo, sus cambios en su forma de pensar, con tal de marcharse de allí pronto, asusta con su nula preocupación más que ninguno.

Al final como espectadores creo que salimos con la sensación de haber asistido a algo más que una gran película. Una obra maestra.

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Yo confieso

Año 1953
Estados Unidos
Director: Alfred Hitchcock
Reparto: Montgomery Clift, Anne Baxter, Karl Malden, Brian Aherne, O.E. Hasse, Dolly Haas, Roger Dann, Charles André, Judson Pratt

Argumento: Un sacerdote católico (Montgomery Clift) escucha en confesión la autoría de un asesinato, a manos del sacristán de su propia parroquia.

Diversas circunstancias implican al cura, y las sospechas de la policía recaen sobre él, ya que dos niñas vieron salir de casa del asesinado, sobre la hora de su muerte, a un cura, y es que el sacristán, para cometer un robo, que esa era su verdadera intención y no matarle como se vio obligado al ser descubierto, viste con sotana para despistar.

Quien le puede ayudar, pues tiene una perfecta y cierta coartada, al revelarla a la policía aún lo complica más, ya que es su antigua novia antes de profesar la religión, hoy casada con un notable político y que se ve obligada a declarar que era víctima de chantaje del asesinado, ya que los vio determinado día salir del cenador de su finca tras pasar allí los dos una noche debido a una tormenta. Ambos coinciden, cosa que llama la atención a un policía, en la puerta de la casa del asesinado, la misma mañana de descubrirse el crimen, al tener la idea de entrevistarse con él para aclarar lo del chantaje.

El sacerdote, una vez acusado, debe afrontar una complicada situación, ya que es llevado a juicio, y cuando se le interroga no puede revelar lo que conoce secretamente como condición de su sacerdocio. Su silencio y negativa a responder aún lo complica más.

Fue premiada en 1953 en el Festival de Cannes y nominada a la Palma de Oro como mejor película.

Esta película fue censurada en los EEUU, ya que en el original el sacerdote y su antigua novia tienen un hijo, obligado Hitchcock a suprimir toda referencia a este dato.

 

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El tercer hombre

Año 1949
Director: Carol Reed
Intérpretes: Joseph Cotten, Alida Valli, Orson Welles, Trevor Howard, Bernard Lee, Wilfrid Hyde-White y Erich Ponto

Argumento:

Terminada la II Guerra Mundial el norteamericano Holly Martins, escritor de novelas populares, es invitado por su amigo Hary Lime para visitar Viena, pero al llegar a la capital austriaca lo que se encuentra es su entierro, ya que su amigo ha muerto atropellado por un camión. El Mayor Calloway, jefe de la policía militar británica, pues la ciudad está dividida en varias zonas militares, le aconseja volver a los EEUU y le insinúa que su amigo Hary se dedicaba a traficar en el mercado negro.

Antes de volver a Norteamérica Martins intenta investigar la muerte de su amigo dado que el portero de la finca donde residía le dice que murió de forma inmediata, mientras que el Barón Kurtz, el mejor amigo de Lime en Viena, le cuenta otra versión diferente, diciéndole que pensó en él, y tuvo tiempo para recordar que lo esperaba por la invitación hecha.

Las contradicciones que va observando, entre unos y otros, y el hecho de que, curiosamente, todos los testigos de su muerte fueran amigos de Harry, incluido el médico que certificó su defunción, le hace sospechar que la muerte no fue accidental, y más cuando el portero le hace saber que en el lugar del accidente había un tercer hombre que no declaró ante la policía, y cuya presencia niega tanto Kurt como Popescu, el otro amigo de Lime.

Buscando colaboración acude a Anna Smith, actriz teatral con la que Lime mantenía una relación sentimental, aunque ésta no puede aclararle nada. Martins es testigo de cómo la policía le requisa el pasaporte a Anna por ser falso, dado que con él trataba de ocultar su nacionalidad checoslovaca, por la cual es reclamada por los rusos.

En su siguiente visita al portero, descubre sorprendido que éste ha sido asesinado. Acude nuevamente a ver al mayor Calloway quien le demuestra la clase de persona que era Harry. Un ser sin escrúpulos que traficaba con penicilina robada en los hospitales militares, y que adulterada produjo la muerte o lesiones incurables en diversos niños.

Desengañado decide regresar a su país, yendo antes a despedirse de Anna. Al salir de la casa de ésta observa que alguien le persigue, para descubrir, cuando un vecino enciende una luz desde una ventana, que su perseguidor, escondido en la entrada de una vivienda, es el propio Harry Lime, que rápidamente se escabulle por las alcantarillas de la ciudad.

Martins consigue entrevistarse con Harry en una de las cabinas de la noria del Pratter. Éste justifica sus crímenes y está a punto de lanzar a Martins al vacío, aunque al final confía en que no le delatará. Pero Martins lo delata ante el Mayor Calloway, y éste le pide que colabore para detenerlo. Él accede a cambio de que permitan a Anna salir del país, pero ella rechaza tal oferta no entendiendo que Martins traicione a su amigo. Finalmente decide abandonar Austria y no colaborar con la policía, aunque, acompañado por Calloway al aeropuerto, éste lo lleva primero a visitar un hospital de niños afectados por las medicinas manipuladas por Harry.

Impresionado Martins ante esas criaturas enfermas, se decide a colaborar. La misión encomendada es atraer a Harry a la zona internacional, abandonando la zona rusa donde se oculta, pero la detención es frustrada mediante un aviso de Anna, pudiendo huir nuevamente a través del alcantarillado; perseguido por cientos de policías, finalmente será su propio amigo Martins quien acabe con él de un disparo.

Película muy entretenida, con escenas muy bien logradas como la persecución por las cloacas vienesas. La música, de Anton Karas, es excepcional.

¿La conocen ustedes? comenten algo que a mí se me haya escapado.

 

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La solterona

Año 1939
Director: Edmund Goulding
Reparto:Bette Davis, Miriam Hopkins, George Brent, Donald Crisp, Jane Bryan, Louise Fazenda

Argumento:
La acción dramática, que considero muy folletinesca, ocurre en la ciudad norteamericana de Filadelfia entre los años 1861-81. Charlotte y Dalia Lowell son dos jóvenes perteneciente a una adinerada familia, que viven con su abuela paterna y son primas. El día en que Dalia va a contraer matrimonio con el joven Joe Ralston, de improviso se presenta en la casa su antiguo novio, el teniente Clem Spender, con la intención de pedir su mano y casarse. Es Charlotte quien lo recibe e intenta distraerle para evitar que provoque alguna situación desagradable durante la ceremonia. Charlotte, que ha estado siempre enamorada de Clem intencionadamente se deja seducir y queda embarazada. Al poco Clem muere en la guerra.

Mientras Charlotte es alegre, muy bonita, responsable y generosa, Dalia, por contra es menos agraciada, mucho más rica, bastante despreocupada y poseedora de cierta maldad. Es de esas personas que disfruta manipulando a los demás y pretendiendo controlarlo todo. La hija de Charlotte y el fallecido teniente Clem, Tina, es extrovertida, irreflexiva, llena de vitalidad e impulsiva, como era su padre.

El melodrama lo trata su director con mucha delicadeza y altura de miras. Se puede clasificar como drama de época y considerarlo como una historia de mujeres. Toda la película se desarrolla con las disparidades propias de la Guerra Civil.

Bette Davis está genial en su interpretación. En todo el film exhibe una variedad de registros conforme el tiempo va pasando, cambiando su alegre personalidad a desagradable, autoritaria e impositiva. Ella y Hopkins nos ofrece un duelo interpretativo de gran altura, que transmite al espectador realidad. La progresión dramática es admirable desde el comienzo, sin embargo el final, por el contrario, lo considero importuno.

En definitiva la película —magistralmente dirigida— viene a analizar las cuestiones sociales de la época, sobre la tan conocida moral puritana estadounidense, la señal de desprecio que imprimen sobre las madres solteras y sus hijos, o la sempiterna doble vara moral de medir ante el comportamiento de hombres o mujeres, la división entre las clases sociales, los prejuicios sobre los matrimonios interclasistas, y, especialmente en una sociedad capitalista, el culto al dinero y a los privilegios sociales.

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Germinal

Película francesa del año 1993

Director: Claude Berri

Intérpretes: Gérad Depardieu, Renaud, Miou-Miou y Jean Carmet entre otros.

Película basada en la novela de Émile Zola.

Argumento: Un joven sin trabajo, Etienne Lantier, se establece en la población minera de Montsou, al norte de Francia. Allí descubre la pobreza extrema del ser humano, el alcoholismo, las relaciones sexuales sórdidas, la indecencia de hombres como Chaval o la generosidad de Toussaint Maheu; en definitiva un mundo de hombres condenados al sufrimiento por el poder del capital. Ante este panorama, antes desconocido para él, se compromete con la lucha socialista. Pero en medio de tanta miseria y desesperanza algo brilla con el brillo mayor de la más luminosa estrella: el amor que nace entre Etienne y la joven Catherine. Una bajada de los sueldos decretada por la patronal, que condena aún más a la miseria de tanta gente, provoca una terrible huelga que será duramente reprimida por el ejército; a pesar de todo, Etienne mantiene la esperanza de que toda esa sangre derramada, sangre de hombres y mujeres de la minería, no haya sido derramado inútilmente.

Película muy recomendable.

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Luz que agoniza


Año 1944
Estados Unidos
Director: George Cukor
Reparto: Charles Boyer, Ingrid Bergman, Joseph Cotten, Dame May Whitty, Angela Lansbury, Barbara Everest, Emil Rameau, Edmund Breon, Halliwell Hobbes, Tom Stevenson y Heather Thatcher
Premios
Oscars: Mejor Actriz (Ingrid Bergman) y 7 nominaciones.
Globos de Oro: Mejor actriz (Ingrid Bergman)

Argumento: Tras la boda que tiene lugar en Italia, entre Paula Alquist, estudiante de canto, y el pianista Gregory Anton, marchan a residir a Inglaterra, a la vivienda que fue de la tía de Paula, famosa cantante que la adoptó al morir sus padres, y que fue asesinada años después. Paula siente cierto temor a vivir en ella, por los recuerdos que le trae, pero tras la decisión de su esposo de retirar los muebles y enseres personales de su tía al desván, cuya puerta condena, cree que le ayudará a olvidarlos. Sin embargo es todo lo contrario.

Cierto día su esposo reacciona violentamente al encontrar, entre las partituras de la tía de Paula, una carta manuscrita de un tal Sergio Bauer, y  a partir de ese momento comienza un calvario al darse cuenta, y hacérselo ver su esposo, que pierde y olvida cosas, o bien que las cambia de su lugar, lo que la lleva a pensar que se está volviendo loca, enfermedad de la que murió su madre. Esa sensación es mayor durante las noches, cuando su marido sale de la casa para ir a componer, fuera de ella a su estudio, observando que al poco tiempo las lámparas de gas se debilitan, escuchando también ruidos de pasos en el desván que está clausurado.

En una de sus salidas que hace la pareja, pues ella está como prisionera y salen poco ni tiene vida social, son vistos por el inspector de policía Brian Cameron que, por el parecido de Paula con su tía, de la que él era un ferviente admirador desde niño, decide indagar sobre aquel asesinato, enterándose que tras el mismo no lograron encontrar unas valiosísimas joyas. 

Mientras tanto en el matrimonio las cosas se complican, pues ella sigue perdiendo cosas y él acusándola de estar loca quiere internarla.

Para quienes conozcan la película dar a conocer el desenlace no tendría problema alguno, pero quien quiera verla es mejor que no lo relate, y sí decir que el final es sobrecogedor y la interpretación de Ingrid Bergman soberbia. Simplemente por esta escena final ya vale la pena verla, y si añadimos la excelente fotografía, y el toque de suspense con que el director la envuelve, es película que merece verse. Simplemente excepcional.

 

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Rocco y sus hermanos

Año1960
Italia
Director: Luchino Visconti
Reparto: Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinou, Claudia Cardinale, Spiros Focas

Argumento: Excelente film de Luchino Visconti en el que trata sobre la emigración de una familia siciliana a la gran urbe, la ciudad burguesa e industrial de Milán, al norte de Italia. Nos muestra cómo entre esos dos mundos tan diferentes, el sur y el norte italiano, comienza la desintegración familiar, la descomposición de su núcleo tribal, pues el choque de uno y otro resulta extremadamente fuerte para la psicología de unos individuos educados en el entorno de familias tradicionales, ante una nueva cultura individualista, hostil y consumista que no alcanzan a entender.

La película está estructurada en una especie de capítulos, cada uno de ellos dedicados a uno de los hermanos, pero de manera que la vida de cada uno se entrecruzan en cada episodio. No obstante el director da mayor relieve a dos de los hermanos, Rocco (Alain Delon) y Simone (Renato Salvatori), el primero representando la bondad, la ingenuidad propia de la juventud, que al final cae en una irresponsabilidad dañina, y el segundo como ejemplo de la brutalidad y los bajos instintos; ambos deseosos de ganar dinero y por el prestigio social en aquellos tiempos del boxeo, se dedican al mismo. Entre ellos se cruza Nadia, una prostituta que suscita un ataque de celos en Simeone al inclinarse por la bondad y belleza física de Rocco. Simeone, junto con unos colegas, violan en un descampado a Nadia, delante de Rocco y a éste le propinan una brutal paliza.

Visconti nos muestra el destino final de los dos hermanos en un interesante montaje fílmico de acciones paralelas, mientras que por una parte asistimos al asesinato de Nadia por el propio Simone, en una postura simbólica que recuerda a la crucifixión, por otra nos presenta, paralelamente, la victoria pugilística de Rocco.

Pero hay más, pues Visconti nos ofrece la visión de otro hermano como contrapunto moral a los ya citados, se trata de Ciro, obrero en la fábrica Alfa Romeo, y nos lo presenta como la conciencia del trabajo, un joven lúcido y progresista, quien en una escena casi al final le vemos hablando con el hermano más joven, Luca, explicándole que un día la sociedad cambiará y será más justa. Luca viene a representar la esperanza del mundo.

Es película muy grata de ver, pues el cineasta Visconti, burgués y marxista al mismo tiempo, quiere darnos, con esta familia sureña, una visión de cómo es nuestra sociedad, por una parte perniciosa, dada al vicio y que por mantenerse en él no duda llegar hasta lo más bajo, pues hay una escena en donde el bruto Simeone parece actuar como chapero de un rico empresario pugilístico, así como el cambio brusco de un joven, Rocco, al sufrir tantas adversidades y el desengaño del comportamiento de su propio hermano. Ciro un obrero responsable y entregado a la lucha obrera para la mejora de su clase, y el jovencísimo Luca, la gran esperanza de futuro, pese a lo que ve entre los suyos.

 

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El proceso Paradine

Año: 1947
Estados Unidos
Director: Alfred Hitchcock
Reparto: Gregory Peck, Ann Todd, Charles Laughton, Charles Coburn, Ethel Barrymore, Louis Jourdan, Alida Valli, Leo G. Carroll, Joan Tetzel, Isobel Elsom
Oscar a la mejor actriz secundaria (Ethel Barrymore)

Argumento: El coronel Paradine, militar de gran prestigio, es ciego y resulta asesinado por envenenamiento. La policía sospecha de su esposa, una bellísima y atractiva mujer. Para su defensa se responsabiliza el joven abogado Anthony Keane, cuya carrera como criminalista presenta un grado de brillantez muy considerado, y que goza en lo personal de una feliz vida matrimonial con su esposa Gay.

Durante las visitas a la cárcel para tramitar del proceso, Keane, que está convencido de que será absuelta su cliente, se enamora perdidamente de ella, que insiste y le convence de su inocencia. Su esposa, muy preocupada, advierte un gran cambio en el abogado.

El juez del caso es Lord Thomas Horfield, con quien Keane mantiene importantes desavenencias. En este contexto, el abogado debe luchar por la absolución de la señora Paradine, al tiempo que ha de buscar una solución a su problema sentimental.

Keane, con la idea de defender a su cliente, intenta culpabilizar del asesinato al ayudante de cámara del coronel, personaje que interpreta Louis Jourdan en su primera película, y ahí está su grave error, porque por muy bien que lo presenta ante el jurado como posible responsable, y aunque al ayuda de cámara no se le juzga, salen a relucir los amoríos entre la señora Paradine y éste. Él lo niega todo, diciendo que es la señora la que lo acosa, y al no responderle por el respeto y devoción que le tiene a su coronel, ella lo delata ante su marido obligándole a que lo despida.

Mientras el juicio prosigue y la señora Paradine está en el estrado interrogándola su propio defensor, llega al tribunal la noticia de que el ayudante de cámara se ha suicidado. La señora Paradine estalla en ira contra su abogado dentro de la misma Sala, culpándole de la muerte del ayudante, al que ama, por sus acusaciones y confesándose autora del asesinato de su esposo ciego. El derrumbe del abogado es impresionante, pues ve su brillante carrera acabada.

 

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  • 1 mes después...

Mamma Roma

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Año:1962
Italia
Director: Pier Paolo Pasolini 
Reparto: Anna Magnani, Franco Citti, Ettore Garofolo, Silvana Corsini, Luisa Orioli, Paolo Volponi, Luciano Gonini, Vittorio La Paglia 

Argumento: La extraordinaria Anna Magnani, para mí una de las más geniales artistas dramáticas y temperamentales, interpreta en esta película a una prostituta de cierta edad, cuya zona de trabajo son las calles y vías de las afueras de Roma. Su ilusión es retirarse un día de la prostitución, y mujer ahorradora, tras muchos años de ejercer el oficio, alcanza una cantidad suficiente para alquilar una vivienda y cumplir su gran sueño, montar una frutería. También, como madre, desea tener a su lado a Ettore, su hijo, un adolescente que hasta ese momento se ha criado con unos familiares fuera de la ciudad, en el campo, y alejado del trabajo de su madre.

Ettore resulta ser un joven rebelde y con cierta violencia, que se niega rotundamente a estudiar y mucho menos a trabajar. En la ciudad entabla amistad con una pandilla de gamberros, granujillas y gente de mal vivir y termina enamorándose de una joven prostituta.

Mamma Roma, mujer con una intensa vida nocturna como puede suponerse, siempre rodeada de hampones y proxenetas, decide hacer uso de los conocimientos y malas artes aprendidos durante el ejercicio de su oficio para enderezar a su hijo, al que desea verlo hecho un hombre de bien. Hay escenas muy emotivas como el paseo con su hijo con la motocicleta que le compra, pero donde se muestra Anna Magnani magistral es al final del film, ante el cadáver de su gran amor, Ettore, su hijo.

La fotografía es excelente y el ambiente de la prostitución callejera muy bien lograda.

 

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Muerte en Venecia

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Año: 1971
Italia
Director: Luchino Visconti
Reparto: Dirk Bogarde, Björn Andrésen, Silvana Mangano, Marisa Berenson, Mark Burns, Romolo Valli

Argumento: La historia que nos relata el gran cineasta Luchino Visconti se desarrolla a principios del siglo XX. Un afamado compositor alemán, Gustav Von Aschenbach, con graves problemas de corazón y desencantado  porque su última obra no ha sido bien acogida por la crítica, por prescripción médica decide viajar a Venecia para descansar durante la temporada de verano.

En el hotel donde se aloja coincide Tadzio, un muchacho de una belleza casi angelical por el que se sentirá atraído. Este sentimiento le va desesperando, más cuando el muchacho, quizás intrigado al ser tan observado, le devuelve las miradas, y por todos los medios intenta rejuvenecer su físico, bien tintándose los cabellos o maquillar su descolorido rostro, con la idea de estar más cerca de la belleza y juventud que entiende en el muchacho, pensando que la vejez es impura.

En esos días se extiende por Venecia una enfermedad contagiosa, lo cual hace que la decadencia de la vejez del compositor se solape con la decadencia de una sociedad, la veneciana, en esos tiempos la ciudad más decadente de Europa. Visconti nos quiere hacer partícipes del drama de la enfermedad, la vejez, la fantasía y la homosexualidad, muy preocupado él, personalmente, por el paso inexorable del tiempo que también todo ello le afecta. El viejo compositor sufre lo indecible pensando que la enfermedad que se extiende por la ciudad pueda afectar al joven Tadzio, y sentado en una sillón de la playa de el Lido, donde muere, solo ansía que el muchacho pueda seguir viviendo.

La película es sorprendente toda ella, especialmente por la calidad de su fotografía llena de imágenes serenas y la música del Adagietto de la 5ª sinfonía de Mahler. 

Buena la interpretación de Bogarde, y la belleza y elegancia de Silvana Mangano ponen el broche de oro a este film que nadie debiera perderse.

 

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La mujer del cuadro

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Año: 1944
Estados Unidos
Director: Fritz Lang
Reparto: Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea, Thomas E. Jackson

Argumento: El profesor Ricard Wanley, interpretado por el gran Edward G. Robinson, un excelente experto en criminología, campo en el que goza de un reconocido prestigio, tras haber enviado a su mujer y sus hijos a una breves vacaciones y encontrándose solo en la ciudad acude una tarde a su club social. Durante el recorrido se detiene ante un escaparate donde se exhibe el retrato de una hermosa mujer. Impresionado de su extraordinaria belleza se queda un rato observándola. Llegado al club y mientras conversa plácidamente con dos de sus amigos, beben un poco más de la cuenta y en medio del entusiasmo de los güisquis fantasean acerca de la posibilidad de tener una aventura con alguna mujer guapa y joven, que no les ocasiones ningún tipo de responsabilidad, como la mujer que ha visto retratada en el cuadro: joven, misteriosa, atractiva y hermosa… una mujer especial para dicha clase de relación. Al marcharse sus amigos el profesor, debido al alcohol de más, cae dormido en el sillón donde descansa.

Tras despertarse y salir a la calle se tropieza con la mujer que ha servido de modelo en el cuadro, es invitado por ella a acompañarla a su casa y allí, sorprendidos por el amante de ella, el pacífico profesor criminólogo se ve mezclado en un complicado asesinato.

Poco me gusta, al tratarse de films con finales sorprendentes, el relatarlos, ya que en caso de que ustedes decidan verla les sustraería la intriga que es merecedora de reservar. Sólo decirles que vale la pena verla, deja un buen recuerdo, aunque supongo que no será muy fácil localizarla, salvo que busquen el dvd.

En definitiva es toda una obra maestra dentro del género de cine negro.

 

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París bajos fondos

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Año: 1952
Francia
Director: Jacques Becker
Reparto: Simone Signoret, Serge Reggiani, Claude Dauphin, Raymond Bussières, Gaston Modot, Paul Barge

Argumento: Basada en un hecho real la película viene a ser un reflejo de un París de finales del siglo XIX. El director sabe imprimirle una tensión que va en aumento desde el inicio hasta el final, de tal manera que engancha al espectador. Un obrero, interpretado por Serge Reggiani, se enamora de una prostituta (Simone Signoret) y existe una fuerte pelea con su proxeneta al que mata durante la misma, todo ello instigado por el jefe de una banda de delincuentes que también pretende conseguir a la Signoret. A partir de ese momento se suceden arrestos policiales, engaños y huidas hasta llegar a un final que sorprende que es lo mejor de la película y que la ha convertido en una de las preferidas de los cinéfilos de su género de todo el mundo.

El realizador se recrea especialmente en la incursión de un amor real, sincero, libre y puro que ya desde su inicio lleva impreso el distintivo de imposible y trágico.

Como siempre suelo hacer en finales inesperado tampoco relataré el de este excelente film, para que no pierda su interés. Creo que es una película muy difícil de ver repuesto en los cines, y posiblemente ni en la televisión. Sólo queda intentar encontrarla en algún dvd o bajarla de alguna página de cine especializada en temas de este género.

La belleza de Simone Signoret, en esta película queda perfectamente retratada con una excelente fotografía, solo por ella vale la pena conseguirla.

 

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Ángeles con caras sucias

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Año: 1938
Estados Unidos
Dirección: Michael Curtiz
Intérpretes: James Cagney, Pat O'Brien, Humphrey Bogart, Ann Sheridan, Billy Halop, George Bancroft

Argumento: Dos amigos desde la infancia Rocky Sullivan (James Cagney) y Jerry Connelly (Pat O'Brien), nacidos y criados en el mismo barrio, toman, una vez mayores, caminos muy diferentes. Rocky se convierte en un famoso y perseguido criminal, mientras que el otro, Jerry, es el párroco de una iglesia de barrio cuya principal idea es apartar a los jóvenes del camino de la delincuencia y el crimen.

La amistad, pese a los años y el camino tan diferente tomados por ambos, sigue intacta, sin embargo los problemas entre ellos surgen cuando Rocky se ve envuelto en negocios sucios con un abogado sin escrúpulos interpretado por Humphrey Bogart.

La vida de Jerry, aparentemente fácil y de buena posición en su calidad de gánster, resulta atractiva para los jóvenes del barrio, un barrio humilde donde los lujos en su vestimenta, en la manera de vivir y las mujeres con que se rodea, les cautiva, y el párroco Jerry, deberá forzar todo su ingenio para que los jóvenes a su cuidado no se dejen fascinar por Rocky.

Es una película que contiene todos los elementos propios del cine llamado negro de los años treinta. La interpretación de James Cagney, que tantas películas de gánsters interpretó francamente bien, en ésta lo culmina, pues a la dureza que debe representar como tal individuo al margen de la ley, no deja de esconder cierta ternura.

Película muy de su tiempo y que aún se puede proyectar con dignidad, por la interpretación, la buena dirección de Michael Curtiz y la fotografía.

 

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Cayo Largo

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Año: 1948
Estados Unidos
Director: John Huston
Reparto: Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore, Claire Trevor, Thomas Gomez, Harry Lewis, John Rodney, Marc Lawrence, Dan Seymour, Monte Blue, William Haade

Argumento: Un ex comandante del ejército de los Estados Unidos, Frank McCloud, viaja hacia Cayo Largo, Florida, hospedándose en un pequeño hotel. La misión que le lleva allí es darle un mensaje a su propietario acerca de su hijo fallecido en la guerra.

A su llegada se encuentra con cuatro individuos, de mal aspecto y groseros modales, al parecer también huéspedes, que le aconsejan se marche de allí. Estos individuos están acompañados de una atractiva rubia llamada Gaye.

Al llegar la noche un fortísimo huracán asola las costa de Florida, creando entre los huéspedes una tensión nerviosa que hace la convivencia insoportable. En un momento determinado aparece un tal Mr. Brown, que resulta ser el famoso gánster llamado Rocco.

A mi entender no es una obra maestra, pero el elenco de actores logra que sea vista con agrado y como siempre Lauren Bacall, la flaca, atractiva y bellísima, y la pareja Humphrey Bogart y Edward G. Robinson, extraordinarios. En resumen diré que es entretenida, que es al fin y al cabo la misión de todo film. Véanla si ocasión tiene, no les aburrirá.

 

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Cautivos del deseo

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Año: 1934
Estados Unidos
Director: John Cromwell
Reparto: Leslie Howard, Bette Davis, Frances Dee, Kay Johnson, Reginald Denny, Alan Hale, Reginald Sheffield, Reginald Owen, Desmond Roberts, Harry Allen, Ray Atchley

Argumento: Philip Carey es un estudiante de medicina. Un día entabla amistad en una cafetería con una camarera, Mildred Rogers, de la que se enamora, amor al que ella no corresponde, sin embargo le hace creer que sí le ama y ejerce sobre él un poder que le hará caer en una dependencia total. Mildred lo somete a celos, vejaciones y desprecios pero él vuelve una y otra vez a ella. Esa inestabilidad en su fase amorosa lleva al joven a fracasar en sus estudios, hasta que un día comienza a comprender las verdaderas intenciones de ella.

La película es un excelente melodrama, que convirtió a Bette Davis (Mildred) en estrella reconocida gracias a su interpretación explosiva y malévola. Por su parte Leslie Howard (Philip) no le queda a la zaga, y su interpretación es sensacional.

El director desarrolla un buen oficio, destacando los aspectos psicológicos de todos los personajes que hacen de la película una obra excelente.

 

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Amor en conserva

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Año: 1949
Estados Unidos
Director: David Miller
Reparto: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Ilona Massey, Vera-Ellen, Marion Hutton, Raymond Burr, Eric Blore, Melville Cooper, Marilyn Monroe

Argumento: Sam Grunion (Groucho) es un detective atolondrado que recibe el encargo de recuperar un valioso collar de diamantes que ha sido robado. En su búsqueda Sam se tropieza, entre otros personajes, con un grupo de aspirantes a actores que van a representar un musical llamado "Love Happy".

Película del estilo que los Hermanos Marx imprimen en sus actuaciones y que todos conoceremos. Es realmente divertida, hilarante, sorpresiva, etc. Y con una Marilyn Monroe, jovencísima y exuberante, que hizo su debut en el séptimo arte en este film, contoneándose y recreándose la dirección y la fotografía a su escultural cuerpo, centrando las miradas en la voluptuosidad que tanto la ha caracterizado. Son excepcionales los números musicales de Harpo y Chico mientras se desarrolla la trama. Por su parte, Groucho, y sus bromas deslenguadas, hacen que la película resulte muy atractiva, dejándonos un buen recuerdo.

En definitiva amor en conserva es un lujo cinematográfico, la persecución por los rusos de Harpo por las azoteas de Nueva York, entre los carteles luminosos de la época, resulta desternillante. Es una parodia del “cine negro” que este trío de los Marx saben llevarla con su humor característico. Película que ningún cinéfilo puede dejar de ver, y desde aquí les recomiendo su visión, si quieren pasar hora y media en continua carcajada.

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El manantial de la doncella

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Año: 1960
Suecia
Dirección: Ingmar Bergman
Reparto: Max von Sydow, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom, Birgitta Peterson, Axel Düberg, Allan Edwall, Tor Isedal, Ove Porath.

Argumento: La historia se desarrolla en la Suecia del siglo XIV. Töre y Mareta forman un matrimonio de terratenientes que tiene una hija a la que miman y adoran: Karin. En la pequeña aldea donde residen no hay iglesia, y existe la tradición que una vez al año, una doncella debe llevar a la virgen unos cirios; ese año le toca a Karin la que acepta con una condición, vestir sus ropas de fiesta y que en el trayecto por el bosque sea acompañada de una joven que trabaja de sirvienta en la casa y que se encuentra embarazada pese a ser soltera, su nombre es Ingeri

Ingeri ese día ruega al dios Odin que cumpla sus deseos, ya que siente odio hacia Karin al verla un día bailando y en actitud cariñosa con el hombre al que ella ama. Una vez en el trayecto y faltando mucho para llegar, Ingeri le dice a Karin que se encuentra muy cansada, que quiere regresar. Karin decide continuar sola. Ingeri la abandona muy cerca de un molino donde reside un molinero que hace sacrificios a Odin, el molinero al verla sola decide propasarse con ella, pero Karin logra huir.

Karin se siente feliz disfrutando de la belleza del bosque que se encuentre en plena primavera. Es vista por tres pastores que se acercan a ella, y le cuentan que son hermanos huérfanos. La acompañan durante un rato por el camino hacia la iglesia. Ella, presume, inocentemente, ante los pastores de ser una princesa, pero ellos solo piensan en otra cosa, en forzarla. Antes de poder huir los dos mayores se abalanzan sobre ella y la violan, tras lo cual el tercer pastor, que es mudo, la golpea con una rama en la cabeza acabando con ella, robándole todo cuanto lleva, sin que Ingeri, que es testigo del suceso haga nada por ayudarla.

En su huida, los pastores llegan hasta la casa de los padres de Karin, desconociendo este detalle, donde piden que les permitan pasar la noche. Töre los acoge y los invita a cenar con ellos.

Por la noche, y mientras rezan sus oraciones, Mareta se muestra inquieta y asustada por el hecho de que su hija no hubiera regresado, tratando de calmarla su marido, ya que en alguna ocasión anterior se quedó al hacerse de noche.

Antes de despedirse el mayor de los pastores en agradecimiento por la acogida le ofrece a Mareta, una bella túnica que afirma perteneció a su hermana, pero la mujer reconoce que son los ropajes de Karin. Sin decir nada, Mareta cierra la puerta para que no puedan escapar y cuenta todo a su marido, el cual toma la decisión de acabar con los asesinos de su hija, pero antes de hacerlo Töre habla con Ingeri,  rogándole que le cuente lo ocurrido, la muchacha se derrumba y le cuenta cómo ocurrió todo, culpándose de ello, pues, afirma, así lo deseó y mismo eso le pidió al dios Odin que ocurriera.

Töre entra en la habitación donde aún están los pastores y los mata.

Al día siguiente, y guiados por Ingeri, se adentran en el bosque junto con varios de sus sirvientes para buscar el cuerpo de su hija. Cuando halla su cadáver Töre asegura que no comprende los designios de dios, no obstante su tribulación le pide perdón, y promete levantar con sus propias manos, las mismas con las que asesinó a los pastores, una iglesia para expiar su pecado, en ese mismo lugar.

Cuando levantan el cadáver de la joven Karin, observan cómo del lugar en que reposaba su cabeza brota un manantial de agua pura, rezando arrodillados ante el milagro.

¿Cómo la definiría? Como soberbia, espectacular y toda ella puro arte.

 

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Panorama desde el puente

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Año: 1962
Francia
Director: Sidney Lumet
Reparto: Raf Vallone, Jean Sorel, Maureen Stapleton, Carol Lawrence, Raymond Pellegrin, Morris Carnovsky, Harvey Lembeck, Mickey Knox, Vincent Gardenia

Argumento: El personaje principal de este film es un estibador del puerto de Brooklyn, un cuarentón llamado Eddie Carbone. Casado con Beatriz no es feliz en su matrimonio y sin querer darse cuenta ni reconocerlo está enamorado de Catherine, una sobrina que vive con ellos y a la que vio crecer desde la infancia. Sus innumerables atenciones y la sobreprotección hacia ella lo delatan, pero nadie se da, o no quiere darse cuenta.

En su casa tiene recogidos a dos inmigrantes ilegales, los hermanos italianos Marco y Rodolpho. Eddie conoce muy bien la ley no escrita de solidaridad entre los inmigrantes, y consciente de los abusos que reciben en las oficinas de inmigración se solidariza con ellos, así como su indignación contra quienes los delatan ante las autoridades estadounidenses, pero al descubrir el amor que siente su sobrina hacia uno de los acogidos en su casa, Rodolpho, le embarga un odio casi infernal contra él.

Eddie se niega rotundamente a que Katie salga de noche acompañada del joven, para después alegar que Rodolpho únicamente busca en ella pder casarse para conseguir la nacionalidad estadounidense como única pretensión, para más tarde ir extendiendo la idea de que el joven es homosexual. Al descubrir un día que la pareja ha aprovechado un momento de soledad para acostarse juntos, entra en cólera y denuncia a los hermanos a las autoridades. Cuando la policía detiene a los dos clandestinos, Marco escupe a Eddie y le dice que se vengará a la italiana, mientras que Beatriz echa en cara a su esposo que se haya enamorado de la sobrina.

Katie, que está decidida a casarse con Rodolpho y evitar que sea expulsado del país, ruega a Marco que no aproveche su libertad condicional para vengarse, pero éste no le hace caso y y en una feroz pelea a navaja mata a Eddie.

Impresionante drama donde el amor, la pasión, el odio, y los sentimientos más bajos en el ser humano, salen a flote. Decir también de su excelente dirección e interpretación. Raf Vallone hace un papel sensacional.

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Un tranvía llamado deseo

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Año: 1951
Estados Unidos
Director: Elia Kazan
Reparto: Vivien Leigh, Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden, Rudy Bond, Nick Dennis, Peg Hillias, Richard Garrick, Ann Dere

Premios:

1951: 4 Oscars: Actriz (Leigh), Direc. Artís., actor y actriz sec. (Malden y Hunter)
Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Kim Hunter). 3 nominaciones
Festival de Venecia: Premio Especial del Jurado y mejor actriz (Vivien Leigh)
Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película, director y actriz (Leigh)
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión drama

Argumento: Blanche es una mujer ya entrada en años perteneciente a una familia sureña arruinada; es una mujer que vive anclada en el pasado, y que se ve obligada a viajar hasta Nueva Orleans e intentar vivir con su hermana Stella, casada con Stanley, un polaco de carácter rudo y violento. Blanche intenta presentarse, sobre todo ante su cuñado del que queda atraída por su masculinidad, pues anteriormente estuvo casada con un joven homosexual, por una parte remilgada y por otra arrogante por lo que ella considera diferencia de clase con él. Un pasado escabroso, al ser despedida de la institución como maestra por tener relaciones con uno de sus alumnos, cosa que intenta ocultar, la ha ido trastornando hasta la locura. Su carácter inestable provoca conflictos entre la joven pareja de su hermana y cuñado.

Stanley desde el primer momento duda de su cuñada, y debido al código napoleónico existente en el Estado de Louisiana le hace ver que todo lo que pertenece a la mujer le pertenece al marido y viceversa, intentando que Blanch le diga cómo ha permitido que la finca de sus padres haya desaparecido con préstamos y embargos. Está convencido que Blanch ha dinamitado la herencia de sus padres al querer vivir por encima de sus posibilidades, por lo tanto la de su esposa Stella.

El director intenta bucear en las relaciones de pareja, presentándonos un tenso y apasionante drama lleno de sinsabores.

El film es uno de los primeros en que intervino Marlon Brando, representando un papel que parece escrito para él, el carácter del polaco bronco lo borda, pues su representación es magistral, aunque pese a los muchos premios conseguidos por la película él no obtuviera ninguno. La interpretación de Vivien Leigh colosal, así como todo el reparto.

 

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Muerte de un ciclista

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Año: 1955
España
Director: Juan Antonio Bardem
Reparto: Lucía Bosé, Alberto Closas, Bruna Corrà, Carlos Casaravilla, Otello Toso, Alicia Romay, Julia Delgado Caro, Matilde Muñoz Sampedro, Mercedes Albert, José Sepúlveda, José Prada, Fernando Sancho, Manuel Alexandre, Jacinto San Emeterio, Manuel Arbó, Emilio Alonso.

Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes

Argumento: Un distinguido profesor universitario, durante un viaje en coche junto a su amante, una mujer casada perteneciente a la alta burguesía, atropella a un ciclista de manera accidental a causa de la poca visibilidad en la carretera, causándole la muerte en el acto. El pánico los embarga y no saben qué hacer ni cómo actuar ante tan inesperado y trágico acontecimiento, especialmente cuando se dan cuenta de que tras el accidente saldrá a la luz su romance, por lo que deciden huir del lugar dejando al ciclista muerto.

La mujer continuará viviendo con su esposo, procurando olvidar el accidente, hasta que alguien les asegurará haberlo visto al estar muy cerca del lugar del accidente, pretendiendo con ello chantajear a los dos amantes.

Película española bien dirigida y con la interpretación más que aceptable de Lucía Bosé y Alberto Closas. Pese a los años transcurridos desde su rodaje, es digna de ver.

 

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Testigo de cargo

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Año: 1957
Estados Unidos
Directo: Billy Wilder
Intérpretes: Tyrone Power, Marlene Dietrich, Charles Laughton, Elsa Lanchester, John Williams, Una O'Connor. Henry Daniel.

Premios:
6 nominaciones al Oscars
5 nominaciones al Globos de Oro
Premios BAFTA: Al mejor actor extranjero (Charles Laughton)
Sindicato de Directores: Nominada a Mejor director
Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Charles Laughton)
 
Argumento: Un hombre joven y atractivo (Tyrone Power) llamado Leonard Vole, es acusado del asesinato de una rica anciana, la señora French, con la que mantenía una relación amistosa. La acusación se basa en la posibilidad de que Vole instigara para ser heredero de la cuantiosa fortuna de la anciana. Las pruebas en su contra son indiscutibles, sin embargo, el gran abogado criminalista londinense, Sir Wilfrid Roberts (Charles Laughton), se hace cargo de su defensa. Pese a su grave enfermedad el abogado no hace caso a consejos de médico y enfermera de que se mantenga alejado de casos tan complejos.
 
Sir Wilfrid considera importante para la defensa la declaración de la esposa de Leonard, Christine, (Marlene Dietrich),ya que puede proporcionarle una coartada importantísima ante el tribunal que ha de juzgarle, pero sus planes se ven desarbolados cuando la esposa comparece como testigo de la acusación. Su declaración aún complica más las pruebas en su contra.
 
El final, por lo inesperado, no debo relatarlo, ya que en pocos minutos se va de sorpresa en sorpresa.
 
La película, en definitiva, es una obra de arte, basada en la novela de otro gran monstruo del suspense, Aghata Christie. Gran dirección, excelente interpretación de todo el elenco, y la fotografía y la música muy buenas. Incomprensible no conocerla para los amantes del buen cine.    

 

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La strada

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Año: 1954
Italia
Director. Federico Fellini
Intérpretes: Anthony Quinn, Giulietta Masina, Richard Basehart, Aldo Silvani, Marcella Rovere, Livia Venturi
 
Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
National Board of Review: Top mejores películas extranjeras
Premios BAFTA: Nominada a mejor película y actriz extranjera (Masina)
Festival de Venecia: León de Plata (mejor director)
 
Argumento: Es la historia de Gelsomina y Zampanó.
 
Zampanó (Anthony Quinn) es un gitano vagabundo que personifica la fuerza bruta; por su parte la chica, Gelsomina (Giulietta Masina), es comprada por Zampanó a sus padres para que le acompañe en sus caminos, en los que malviven del dinero que sacan de sus actuaciones callejeras, donde él hace gala de su fuerza bruta rompiendo cadenas con el pecho. El argumento es muy sencillo, pero, partiendo de esa sencillez, el gran Fellini alcanza con su creación una de las historias más hermosas que el cine ha podido realizar.
 
La parte técnica es inmejorable, pero lo que realmente da vida  y conmueve de esta historia es el personaje de Gelsomina. Giulietta Masina fue la elección perfecta para interpretar a la pobre chica vagabunda que estremece a todo el mundo con su sencillez. Sus maneras atrapan, sus penas se hacen nuestras, y sus muecas y expresiones cándidas enamoran.

Gelsomina nos hace reír y hace asomar a nuestros ojos alguna lágrima. Pero son sus ojos con los que la chica observa la vida, el agradecimiento con el que ella responde a una sencilla sonrisa, la alegría que siente ante la oportunidad que le ofrece ser un correcaminos como un gorrión pía alegre ante la libertad, contrastan con las humillaciones que sufre, en general, por parte de todos, pero más dolorosamente por parte de Zampanó, ese animal bruto al que no puede evitar querer. Es Gelsomina esa niña adulta que se pregunta, como tantos seres se preguntarán, qué sentido tiene la vida, en concreto el sentido de su vida, en una de las escenas más bellas de la película.

 

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Dos mujeres

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Año: 1960
Italia
Director: Vitorio De Sica
Intépretes: Sophia Loren, Jean-Paul Belmondo, Raf Vallone, Eleanora Brown, Carlo Nichi, Emma Baron, Antonella Della Porta, Renato Salvatori
 
Premios:
Oscar: Mejor actriz (Sophia Loren)
Globo de Oro: Mejor película extranjera de habla no inglesa
Premios BAFTA: Mejor actriz extranjera (Sophia Loren)
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Sophia Loren)
Festival de Cannes: Mejor actriz (Sophia Loren)
National Board of Review: Top mejores películas extranjeras


Argumento: La película transcurre en Italia, año 1943, durante la dictadura fascista, cuando tras un intenso bombardeo que padece la ciudad de Roma, por la aviación aliada, Cesira (Sophia Loren) una mujer joven y muy atractiva y viuda, que regenta una tienda de ultramarinos, decide huir de la capital romana con su hija Rosetta, una adolescente de trece años, para refugiarse en casa de unos familiares que residen en un pequeño pueblo llamado Santa Eufemia, de donde ella es oriunda, situado en los montes de Ciociaria.
 
Cesira abandonó su pueblo muy joven para casarse con un hombre mayor que ella del que nunca estuvo enamorada, y ahora deja la tienda en manos de Giovanni, su vecino, hasta su regreso.
 
El viaje está lleno de los peligros propios de la guerra, pero, desafiando a todo, al final llegan a su destino. Allí son muy bien recibidos, y Rosetta, en un ambiente tranquilo, lejos de los problemas de la guerra, conoce al joven Michele (Jean-Paul Belmondo), un intelectual y progresista que desea ser partisano, y que enamorado de la muchacha intenta atraerla hacia la causa que él ambiciona de la democracia y la libertad.
 
Los horrores de la guerra no tardan en dejarse sentir también en la pequeña población. Las dos mujeres tratan de huir, pero en la huida son capturadas por soldados africanos del ejército aliado, cuyo deseo al verlas es forzarlas. Hay en este final una escena impresionante, donde Sophia Loren nos demuestra que en ella no solo hay belleza, belleza sublime, sino una carga de arte dramático impresionante.
 
Película que hay que ver, aunque hayan escenas, como esta última, que te deja un sabor amargo y de dolor al ver la sinrazón de la locura de las guerras.

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El viejo y el mar

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Año: 1958
EEUU
Director: John Sturges
Intérpretes: Spencer Tracy, Felipe Pazos, Harry Bellave, Don Diamond
 
Argumento: Santiago es un viejo pescador que lleva algunos meses sin conseguir matar un pez. Es un hombre viudo sin hijos, que entabla amistad con un muchacho de la vecindad que le tiene gran admiración al haberle enseñado las artes de la pesca y todo lo concerniente a la mar. Los padres del muchacho están convencidos de que la suerte ha abandonado al viejo lobo de mar, no creyéndole ya capaz de capturar un pez.

Pese a su mala suerte Santiago sigue intentándolo, saliendo a faenar cada día al amanecer, y en su idea está llegar a apresar el pez más grande que por allí se haya visto nunca. La película, basada en la novela de Hemingway, es tratada con sutileza, con una excelente fotografía y un Spencer Tracy que, como siempre, sale airoso de su trabajo.

Al poco de adentrarse en la mar, un pez de dimensiones enormes pica en su anzuelo. Es tanta su fuerza que arrastra la barca hacia mar adentro, y la lucha del viejo marino con ese pez tan grande y poderoso se hace dramática. En la lucha las manos de Santiago apretando la cuerda que lo sujeta llegan a ensangrentarse, pero él, tozudo, y deseoso que en la población no lo tengan ya como un fracasado, lucha tenazmente contra todas las adversidades que se le presentan durante dos días y dos noches, pudiendo salir, cuando ya sus fuerzas comienzan a flaquear, felizmente airoso.

Es un film que nos enseña que el tesón y el esfuerzo para conseguir el fin deseado son imprescindibles, y el viejo lobo de mar, Santiago, al final sale vencedor. Recuerdo el refrán que dice: "Hace más el que quiere que el que puede"

 

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Matar a un ruiseñor

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Año: 1962
EEUU
Director: Robert Mulligan
Intérpretes: Gregory Peck, Mary Badham, Brock Peters, Philips Alford
 
Premios
3 Oscars: Mejor actor (Gregory Peck), guión adaptación y dirección artística. 8 nominaciones
3 Globos de Oro: Entendimiento internacional, actor (G. Peck) y BSO. 5 nom.
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión drama
Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Gregory Peck)
Premios BAFTA: nominada a Mejor película y actor extranjero (Gregory Peck)


Argumento: Durante la gran depresión norteamericana, en una pequeña población del sur de los EEUU, un afamado abogado, Atticus Finch, interpretado por Gregory Peck, defiende a un hombre negro que resulta acusado de haber violado a una mujer blanca. Desde el inicio el espectador llega al convencimiento de su inocencia, sin embargo por su condición de negro el veredicto del jurado está más que cantado, será acusado injustamente. Sin embargo Atticus, que hasta ese momento es el ciudadano más respetado de la ciudad, toma su defensa de manera valiente y algo compasiva de ver el resultado que se le espera. Esta actitud del que ayer era el hombre más respetado, le granjea enemistades con casi toda la población, excepto con las dos personas que a él más le interesa, sus dos hijos, huérfanos de madre, a quienes la actitud valiente de su padre les llena de orgullo y admiración.
 
Es una obra maestra, con excelentes y valientes mensajes contra el racismo, y de una sensibilidad en la visión de la infancia tan bien llevada que nunca cae en la sensiblería. La interpretación de Peck, para mí, es la mejor de su dilatada carrera.

 

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